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"Secretos de un matrimonio" 386r1e de Ingmar Bergman

Mon, 19 Apr 2021 19:30:08 +0000

"Secretos de un matrimonio", de Ingmar Bergman djauregui Lun, 19/04/2021 - 14:30

Secretos de un matrimonio (1974) es una de las obras más premiadas y conocidas internacionanlmente del legendario cineasta sueco Ingmar Bergman.

Protagonizada por Liv Ullmann, Erland Josephson, Bibi Andersson y Jan Malmsjö, la película explora las viscisitudes de la vida en pareja lo largo de 10 años de relación en un retrato apasionado y honesto del matrimonio, las razones de su desintegración y todo aquello que le sigue.

¿Es casarse la puerta a la felicidad?

La película comienza con una reunión entre dos parejas. Por un lado están Marianne (Liv Ullmann) y Johan (Erland Josephson), y por el otro Katarina (Bibi Andersson) y Peter (Jan Malmsjö), donde Bergman muestra a las dos parejas en momentos totalmente diferentes.

Durante el transcurso de la velada, y con el alcohol en la sangre de la pareja, Peter y Karine empiezan una fuerte discusión. Johan y Marianne tratan de mediar, pero sin resultados positivos.

Tras despedirse de la pareja, los protagonistas reflexionan acerca de su relación y de la década que llevan juntos, así como de lo que ha ido significando el uno para el otro en las diferentes etapas que han compartido.

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Sin embargo, Bergman no se aventura a sacar conclusiones sobre esta institución social (la del matrimonio), sino que nos deja ver en diferentes momentos que la convivencia termina matando todo lo que hay entre dos personas que se han unido como pareja, incluso el amor.

Es ahí donde Bergman deja relucir su estilo incisivo en la psiquis humana, pues cuando se ponen de manifiesto todas las bajezas del matrimonio es cuando la película gana ritmo, profundidad y sentimiento.

La realidad sale a relucir, sin embargo, cuando Johan confiesa que se ha enamorado de otra mujer, y le expresa a Marianne su deseo de irse. Marianne, que parecía segura de sí misma y de no tener dependencia de Johan revela que justo en ese momento es cuando más ha de valorar a su esposo.

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Desde ese momento ambos pasan por varios momentos en los que la relación se romperá por completo. A pesar de ello siempre se ve un cariño especial entre ambos, incluso cuando llega el momento del divorcio.

De la televisión al cine

En un principio Secretos de un matrimonio fue concebida y transmitida como una miniserie de seis capítulos, con una duración total de aproximadamente 295 minutos. Poco después Bergman realizó una versión de 155 minutos para su proyección en salas de cine.

De acuerdo con la página especializada Sensacine, al parecer el filme fue tan influyente en la época que llegaron a acusarlo en Suecia de provocar un notable incremento en las tasas de separaciones entre los escandinavos registradas durante aquellos años.

La película ganó un Globo de oro a mejor película extranjera, un Bafta a mejor actriz y el premio del Círculo de críticos de Nueva York, entre muchos otros.

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Secretos de un matrimonio

"El séptimo sello" 6c2h3e una partida de ajedrez contra la muerte

Mon, 01 Mar 2021 19:13:34 +0000

"El séptimo sello", una partida de ajedrez contra la muerte djauregui Lun, 01/03/2021 - 14:13

Una partida de ajedrez con la muerte es la trama principal de El séptimo sello (1957), una película dirigida por el legendario cineasta sueco Ingmar Bergman.

Considerada una de las principales piezas del cine universal, El séptimo sello es protagonizada por Max von Sydow, Bengt Ekerod, Bibi Andersson, Gunnar Björnstrand y Nils Poppe, donde interpretan a una caballero sueco, la muerte en carne y hueso y un pueblo cortesano enfermo y atrasado.

Ambientada durante una peste medieval, Bergman transporta al público a una conversación en la que la vida y la muerte tienen un alto contenido simbólico y filosófico, donde el miedo padecido por la humanidad frente a lo desconocido y a la búsqueda de sentido de la existencia son la carne de los 96 minutos de película.

Todo o nada

Antonius Block es un caballero que regresa a su pueblo natal en compañía de Jöns, su escudero. Ha pasado una década desde que se fue para luchar en las Cruzadas, por la causa de la fe.

Sin embargo, al regresar se encuentra con un paisaje desolador, puesto que Suecia, su país, ha sido azotada por la peste cobrando con ella incontables vidas.

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Cuando por fin Antonious y su escudero encuentran algo de paz en una playa, la muerte hace su aparición con la intención de llevarse con ella a Antonius.

El caballero, quien a lo largo de sus viajes y batallas se ha curtido para una situación así, reta a la muerte una partida de ajedrez, apostando con el juego su propia vida: si la muerte pierde la partida, no podrá llevarse al caballero.

El juego de ajedrez se desarrolla a medida que ocurren otros sucesos de la película en los que los personajes constantemente se ven en la vulnerabilidad de la condición humana, pues desde la cacería de brujas, las violaciones a mujeres, el robo, la burla e incluso la huída a la muerte van cuestionando la verdadera existencia de cada quien.

Al final, como es de esperarse, la muerte triunfa y se lleva con ella no sólo al caballero sino también a todos a quienes él ha acogido en su castillo donde, supuestamente, todos estarían a salvo de la peste que con seguridad cobraría sus vidas.

El simbolismo de El séptimo sello

El guión de El séptimo sello es un juego donde Bergman apunta a resolver su crisis existencial por el miedo a la muerte. Es por esto que la tradujo a partir de la alegoría medieval con el caballero jugando al ajedrez con la muerte.

León García, curador de la exhibición Ingmar Bergman 100 años

Esta película de Bergman, ampliamente celebrada y premiada en festivales como el mismísimo Festival de Cine de Cannes, tiene a la muerte como la protagonista por la cantidad de dudas existencialistas y de seguridades que se van al piso cuando las personas la enfrentan en realidad.

Sin embargo, la historia también está relacionada con el libro bíblico del Apocalipsis, con el que Bergman tendría cercanía -como con toda la biblia en general, pues era hijo de un estricto pastor protestante-, y del cual Bergman tomó la idea: “al abrir el séptimo sello, se hizo silencio en el cielo…” concluye el apocalipsis, de acuerdo con las “sagradas escrituras”.

En el Apocalipsis una serie de siete sellos se va desplegando representando con ellos escenas de sufrimiento como la muerte, la guerra, la peste o el hambre. En este relato cuatro de ellos son anunciados por jinetes. El quinto sello revela la existencia de legiones de muertos y el sexto, la ira divina. En el séptimo solo aparece el silencio.

Esta relación con las preguntas existenciales y la religión, además, está inspirada en un mural del pintor medieval de iglesias Albertus Pictor (Albert Målare), quien también aparece como personaje en la película cuando el caballero apenas está llegando a su pueblo.

En una de las pintura célebres de Pictor se puede ver a una persona disputando una partida de ajedrez con la muerte, en una época donde era mucho más pronta y normal que en la modernidad tanto por las precarias condiciones de vida y conocimientos científicos al alcance de la población general como por el momento histórico que vivía Europa.

Este tipo de representaciones hacen parte de un género medieval conocido como Danza de la muerte, o Danza macabra, que recuerda que los goces mundanos tienen su fin y que todos han de morir.

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El séptimo sello

"Persona" 4d425q una película que desnuda el alma

Fri, 26 Feb 2021 16:40:48 +0000

"Persona", una película que desnuda el alma djauregui Vie, 26/02/2021 - 11:40

La película sueca Persona (1966) fue escrita, dirigida y producida por el cineasta Ingmar Bergman, y protagonizada por Bibi Andersson y Liv Ullmann.

El largometraje, uno de los imperdibles de Bergman según los expertos, cuenta la historia de una joven enfermera llamada Alma (interpretada por Andersson) y su paciente, la conocida actriz de teatro Elisabet Vogler (Ullmann) quien, sin razón, ha dejado de hablar.

Un día Elisabeth es hospitalizada tras perder la voz durante una representación en las tablas de la tragedia griega Electra, de Sófocles. Después de ser sometida a una serie de pruebas, el diagnóstico es alentador. Es seguro que recuperará el habla. Sin embargo, como sigue muda, debe permanecer bajo los cuidados de la clínica.

Aunque Elisabet es casi catatónica cuando es trasladada al hospital, su doctora nota que la actriz reacciona con angustia al ver en televisión la autoinmolación de un hombre durante la Guerra de Vietnam, y también ríe de la radionovela que oye Alma.

Por este motivo considera que Elisabet puede recuperarse mejor en una cabaña junto al mar, y la envía allí con junto a su enfermera para asegurar su recuperación.

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Una vez allí, el tiempo, la conversación y la ruptura del secreto entre ellas dos convertirá su recuperación en una serie de escenas que confunden el erotismo con el odio, la liberación y su recuperación en un entramado psicológico que ha hecho a este largometraje uno de los más destacados de la historia del cine, por tratarse de una película que ahonda tanto como el sueco pudo en la condición humana.

Una película legendaria

Escrita, dirigida y producida por Bergman, Persona es considerada una de las mejores películas en la historia del cine.

De acuerdo con la publicación Cineoculto, este largometraje de Bergman se destaca por ser una película audaz formal y temáticamente, al punto de convertirse en uno de los filmes más influyentes del director (que de por sí ya es bastante influyente), quien incorpora elementos de las corrientes vanguardistas Nueva ola sa y el cinema libre de Inglaterra.

Junto a Ciudadano Kane, del mítico cineasta estadounidense Orson Welles, Persona es probablemente una de las películas de la que más se ha escrito tanto en el ámbito académico como en el ámbito del periodismo cultural.

Entre sus logros, además del reconocimiento de los académicos y los medios especializados, están varios premios de prestigiosos festivales de cine, entre los que se incluyen mejor actriz, mejor película, mejor director y mejor película extranjera otorgados por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de Estados Unidos, los premios Guldbagge de la academia Sueca.

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Persona

“Fresas salvajes” 411q2i una película de carretera de Ingmar Bergman

Mon, 22 Feb 2021 15:50:25 +0000

“Fresas salvajes”, una película de carretera de Ingmar Bergman djauregui Lun, 22/02/2021 - 10:50

Fresas salvajes (1957) es una de las películas más destacadas del legendario cineasta sueco Ingmar Bergman.

Caracterizado por películas inmersivas y reflexivas, Bergman nos sumerge en una historia de viaje donde la espera de la muerte obliga a sumergirnos en los recuerdos, el pasado y lo olvidado vuelve para llevarnos hacia la conversación sobre la vida.

Protagonizada por Victor Sjöström, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand, Folke Sundquist, Björn Bjelvenstam y Naima Wifstrand, Fresas salvajes fue nominada en los premios Óscar a mejor guion original. Sjöström fue postulado en los Bafta a mejor actor extranjero y la producción se llevó el Oso de oro en el Festival de cine de Berlín, un Globo de oro y otra condecoración en el Festival de Cine de Mar del Plata (Argentina).

Un road movie nórdico

El profesor Isak Borg (interpretado por Sjöström) es un eminente médico que debe dirigirse a la ciudad de Lund para recibir un homenaje de su universidad.

Afligido tras un sueño en el que contempla su propio cadáver, Borg decide emprender el viaje hacia su condecoración por tierra, en su auto junto a su nuera, quien acaba de abandonar su casa tras una discusión con su marido porque este se niega a tener hijos.

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Este desplazamiento por carretera y en locaciones que van cambiando con el viaje lo que hace a Fresas salvajes una película de carretera, o road movie, pero escrita y dirigida por el cineasta nórdico por excelencia: Ingmar Bergman.

Es así que de camino hacia su destino los protagonistas deciden parar en la casa en la que Isak pasaba los veranos en su infancia junto a su familia, una casa de campo en la que crecen fresas silvestres.

En esta parada los recuerdos de tiempos pasados volverán a Borg, donde se mezclan con el presente como parte de la misma realidad, en la que el mismo Isak estará presente en los momentos de su niñez y juventud, dándole también a la historia toques de filme onírico.

Allí conoceremos detalles de su vida como su primer amor, los cambios a medida que fue apareciendo la vejez, y al final somos testigos de una película que explora la condición humana vista desde la vejez.

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Fresas salvajes

Brutal y poética 6v376t "El manantial de la doncella"

Sat, 28 Nov 2020 22:19:59 +0000

Brutal y poética: "El manantial de la doncella" djauregui Sáb, 28/11/2020 - 17:19

La confrontación entre las divinidades, las creencias, lo que aparenta ser el bien o el mal y el papel central de la mujer en estas contradicciones vuelve con la película El manantial de la doncella (1960), otra obra maestra de Ingmar Bergman.

La película, ganadora del premio Óscar a Mejor película de habla no inglesa, de un Globo de Oro a mejor película extranjera, con mención especial en el Festival de Cannes, entre otros reconocimientos, es también una celebrada cinta del mítico cineasta sueco.

De acuerdo con la página especializada Cinema Esencial, "la confrontación entre paganismo y cristianismo será una constante en la adaptación de esta leyenda nórdica del siglo XIV, en la que Bergman encuentra una excusa ideal para tratar algunos de sus temas favoritos: la religión, la muerte, el amor, la culpa y la venganza".

En la película, la doncella Karin, hija de un próspero cristiano es designada para llevar velas a la Virgen en la iglesia en un viernes santo. Karin va acompañada por Ingeri, su criada, quien secretamente la odia y adora a la deidad nórdica Odín. En su camino por el bosque, Ingeri y Karin se separan.

Karin e Inger se encuentran, cada una por su lado, con lo que parece una encarnación de sus deidades: mientras Ingeri se encuentra con un hombre misterioso con parche en un ojo, sin nombre y con propuestas indecorosas que le ofrece poder a cambio de sexo, Karin se encuentra con tres pastores que la invitan tomar una comida con ellos.

Karin es violada y asesinada. Inger lo presencia todo pero calla. Los hombres, sin saberlo, buscan refugio en el hogar de la víctima. Los padres descubren el crimen y toman venganza.

Al final, sin embargo, cada quien mantiene su fe a pesar de la tragedia. Una acción que parece milagrosa logra, como si se tratara de un engaño de otro dios, que tanto los padres de Karin como Inger renueven sus creencias a pesar de la tragedia.

"En esta confrontación, sin embargo, ninguna de las dos manifestaciones religiosas es mostrada como una doctrina liberadora, sino más bien al contrario, como fuerzas coercitivas o generadoras de violencia", explica David Vericat para Cinema Esencial.

No te pierdas esta película de Ingmar Bergman, una adaptación de la leyenda medieval (Törens dotter i Vänge, en lenguaje sueco) que dice que “donde muere una doncella aparecerá un manantial”.

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El manantial de la doncella

“Gritos y susurros” 5b642d Bergman en su máxima expresión

Sat, 31 Oct 2020 00:09:50 +0000

“Gritos y susurros”, Bergman en su máxima expresión djauregui Vie, 30/10/2020 - 19:09

Gritos y susurros (1972) es una de las películas más icónicas del director sueco Ingmar Bergman con una espléndida fotografía, un guion complejo repleto de simbolismos, personajes enigmáticos y una historia que alude al humanismo más profundo.

Bergman, considerado uno de los directores más influyentes del siglo XX, y para muchos el más grande director de la historia del cine, cuenta la historia de tres hermanas y una sirvienta que saludan a la muerte y con ella a sí mismas.

Esta película, ganadora del premio Óscar a mejor fotografía, y nominada a mejor película, mejor director y mejor guion original, es uno de los largometrajes más celebrados de Bergman, en los que la imagen a color es fundamental.

El color en esta película es clave, o al menos así lo confirmó el mismo director, quien afirmó que todas sus películas pueden imaginarse a blanco y negro, menos Gritos y susurros.

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Filmada en el castillo de Taxinge-Näsby (Suecia) en 1971, la temática de Gritos y susurros incluye la fe, la psique femenina y la búsqueda de significado en el sufrimiento.

Para lograrlo Bergman recreó uno de sus sueños, donde se vio sumergido en un cuarto rojo con cuatro mujeres vestidas de blanco que se mueven en él y hablan con susurros.

La historia de las hermanas Karin, Maria y Agnes, quienes se reúnen en la casa familiar para pasar juntas los últimos días de vida de Agnes, quien padece un cáncer terminal.

A ellas les acompaña una antigua y fiel sirvienta, Ana. Aunque las tres hermanas fueron muy unidas durante la infancia, perdieron el o y la capacidad de demostrarse cariño.

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Sus personalidades advierten tensiones psicológicas y patologías extrañas. Agnes, por ejemplo, mientras agoniza recuerda a su madre y la envidia que había sentido de adolescente por su hermana menor.

Ana es la única que cuida y consuela los ataques de dolor de Agnes, pues las otras dos hermanas no soportan el o físico.

El tiempo, representado en los relojes de la casa, y el cuarto rojo son capturados por el ojo del director de fotografía Sven Nykvist, quien es cómplice de Bergman es su estilo de narración estático y similar a una obra de teatro, lo que otorga a la cinta una sensación de claustrofobia y encuentro consigo mismos, que también caracterizó al director sueco.

Liv Ullmann, musa de Bergman, interpreta a Maria.

El elenco, con el que Bergman demuestra una sensibilidad especial por la mujer, está conformado por algunas de las actrices que lo acompañaron a lo largo de su carrera.

Ingrid Thulin, por ejemplo, personifica a Karin, una mujer de exacerbante belleza, superficial y egoísta, y es una de las actrices que más trabajó con el director y que vio en Gritos y susurros una de las más brillantes personificaciones de su vida.

Agnes, interpretada por Harriet Andersson, es otro ejemplo del trabajo que hizo Bergman en vida para rodearse de actrices que pudieran hacer frente a sus ideas, usualmente cargadas de la exigencia actoral que conllevan los papeles con alta densidad psicológica.

Harriet Andersson (centro) interpreta a Agnes.

Bergman como inspiración

El reconocido cineasta estadounidense Woody Allen ha dicho públicamente que la obra de Bergman ha sido una fuente de inspiración para sus películas. Pero Gritos y susurros va más allá, y su influencia en Hannah y sus hermanas (1986) o Interiores (1978) es, según los expertos, evidente.

Diane Keaton, Mary Beth Hurt y Kristin Griffith en Interiores.

El cineasta austríaco Michael Haneke también ha reconocido la influencia de Bergman en su obra, particularmente en La pianista (2001).

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Isabelle Huppert en la película La pianista.

Se dice que el impacto de Gritos y susurros también alcanzó a Stanley Kubrick, y se puede notar en una de sus cintas cumbre: El resplandor (1980). En esta el uso del color rojo para representar las alteraciones del alma parece más que una simple coincidencia.

Shelley Duvall en El resplandor.

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Gritos y susurros