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Mon, 14 Apr 2025 21:21:50 +0000

¡Atención! La última temporada de Kalimán llega a RTVlay

Kalimán y los Samuráis mensajeros de la muerte

afcastellanos Lun, 14/04/2025 - 16:21

Kalimán, el querido superhéroe de origen mexicano que llegó a RTVC en 2021, regresa a RTVlay con su tradicional formato de radionovela, en la que será su última temporada en los Medios Públicos de Colombia.

Nuestra última temporada de Kalimán

A través de más de 130 episodios, Kalimán y los Samuráis mensajeros de la muerte nos cuenta la historia de dos científicos japoneses que inventan un artefacto de control cerebral. Uno de ellos, el Doctor Kiro, asesina a su colega, se roba el artefacto y crea un ejército de jóvenes, convertidos en samuráis delincuentes. Es acá que Kalimán aparece para enfrentar al Doctor Kiro, a sus samuráis y a dos espías que pretenden robar el artefacto. Recuperar este aparato, un casco ultrapoderoso, será la misión definitiva del Hombre Increíble para evitar que el caos de apodere del mundo.

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Nuevos episodios de Kalimán y los samuráis mensajeros de la muerte estarán disponibles de manera gratuita todos los días en RTVlay, plataforma de streaming de RTVC Sistema de Medios Públicos, gracias al invaluable trabajo de restauración de Señal Memoria, que en 2019 recibió la donación de la emisora Todelar de más de mil episodios de las radionovelas de Kalimán, un príncipe indio con facultades mentales, creado en México en 1963 y personificado en la voz de Gaspar Ospina, legendario actor de doblajes radiales.

Las temporadas de Kalimán en RTVlay

Kalimán y los Samuráis mensajeros de la muerte es la séptima temporada restaurada por Señal Memoria y estará disponible en RTVlay, luego de Kalimán y el tigre de Hong Kong, Kalimán y el terrible Miklos, Kalimán y la bruja blanca del Kilimanjaro, Kalimán y la Araña Negra, Kalimán y los piratas del espacio y Kalimán y el extraño Doctor Muerte.

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La importancia de Kalimán

Kalimán es un fenómeno de la cultura popular latinoamericana del Siglo XX. Más allá de sus aventuras, este superhéroe está históricamente fortalecido por el impacto educativo de su personaje, que explora mitos de creación y lugares alejados de las referencias occidentales, norteamericanas y europeas.

Sus historias localizadas en el sur global enseñan relatos que trascienden las historias y las fronteras de los superhéroes convencionales. Adicionalmente, su universo cuenta historias imperecederas, como en Kalimán y los Samuráis mensajeros de la muerte, cuyo argumento se adapta a alienación por los consumos digitales de los jóvenes y otros avances tecnológicos, como las inteligencias artificiales y sus riesgos en temas de control social.

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Disfruta a partir de este lunes 14 de abril de 2025 la última temporada de Kalimán en RTVC: Kalimán y los Samuráis mensajeros de la muerte. Nuevos episodios estarán disponibles a diario en www.rtvlay.co

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Kalimán 4c1n3b diez villanos memorables

Fri, 11 Apr 2025 15:41:10 +0000

Kalimán: diez villanos memorables afcastellanos Vie, 11/04/2025 - 10:41

¿Has pensado en cuántos enemigos tienes? En el caso de Kalimán, son 175. Un número gigante incluso para los 28 años que duró su Radionovela y los 26 de su historieta, pero comprensible para un Superhéroe que trabaja combatiendo a las fuerzas del mal.

Según fandom.com, el Hombre Increíble y su compañero Solín se enfrentaron, entre 1963 y 1991, a 58 villanos estelares y 117 secundarios, a través de 1351 historietas y miles de episodios de 38 series radiales: cinco de ellas, disponibles gratis en www.rtvlay.co.

A propósito del regreso de Kalimán a RTVlay en 2025, recordamos cómo llegó a los Medios Públicos de Colombia y reseñamos diez de sus enemigos más memorables.

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Cómo llegó Kalimán a RTVC

Originario de México, Kalimán llegó a Colombia en 1965 gracias los derechos negociados por Radio Todelar, que lo convirtió en el Superhéroe favorito del país durante los años 70. Un personaje con el impacto educativo de explorar el sur global, su geografía, costumbres y cosmovisiones, en detrimento de los repetidos arquetipos norteamericanos. Sin embargo, el tiempo pasó, los radioteatros se pusieron anacrónicos y Kalimán quedó reducido al recuerdo durante 40 años.

Por fortuna, en 2019 Radio Todelar donó a RTVC Sistema de Medios Públicos cintas de audio con 16,000 registros sonoros que un trabajador tenía acumulando polvo, entre ellos 1020 episodios de Kalimán.

A partir de ese momento, Señal Memoria, archivo audiovisual y sonoro de RTVC, ha ido restaurando y clasificando, bajo técnicas especializadas, las aventuras de este Príncipe indio con facultades mentales que vivió en la voz del locutor colombiano Gaspar Ospina.

Foto: Colprensa

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Kalimán en Radio Nacional de Colombia y RTVlay

El 25 de marzo de 2020, en plena fase inicial del confinamiento por la pandemia de Covid-19, Radio Nacional de Colombia puso al aire la serie Kalimán y el tigre de Hong-Kong. Y finalmente, en 2021, luego de un año de desacuerdos jurídicos, las temporadas de Kalimán siguieron sonando hasta 2024 en la radio pública colombiana.

De las ocho series de Kalimán que Señal Memoria heredó de Todelar, Radio Nacional y RTVlay pusieron al aire cinco más, con la participación de villanos superpoderosos, pero siempre derrotados por la serenidad y paciencia del séptimo descendiente de Kali, diosa del hinduismo.

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Diez villanos históricos de Kalimán

La Araña Negra

Foto: JSalda / fandom.com

Su nombre es Martin Lucker y nació en Hungría. De niño quedó huérfano y mientras trabajaba como acróbata en un circo sufrió una quemadura en la cara, que de adulto comenzó a cubrir con una máscara de cuero. Su carrera criminal comenzó en Alemania como sicario durante la Guerra Fría. Usa arañas contra sus víctimas y porta un anillo envenenado como arma mortal. También es experto en física y química: conocimientos que aprovecha con fines delictivos.

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Bruja Blanca

Foto: JSalda / fandom.com

Elizabeth Gordon es su nombre original. Es británica, pero creció en Tanzania. En su infancia fue la única sobreviviente de un avión que se estrelló contra el monte Kilimanjaro: situación que la tribu Banzami interpretó como una señal de dioses ancestrales. Por eso la adoptan, le ponen el nombre de Shiba-Tak y la convierten en su reina. Acompañada de un tigre, esclaviza a de otras tribus y cuando conoce a Kalimán despierta hacia él una obsesión mortal.

Oye también → la temporada con La Bruja Blanca del Kilimanjaro

Jazil

Foto: Eduardo Rico / RTVC

El turco Ahmed Jailam, heredero de una familia millonaria de Estambul, es conocido en el bajo mundo como Jazil y es fundador del Triángulo Verde, una organización criminal que extorsiona a terratenientes petroleros y secuestra aviones comerciales. Después de varios intentos fallidos por asesinar a Kalimán, Jazil se hace pasar por su amigo para acercarse más a él. Sin embargo, gracias a la acción de agentes encubiertos, Jazil termina preso.

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Doctor Muerte

Foto: Foto: JSalda / fandom.com

El tibetano Tansí Barat se forma como monje, pero termina desterrado por dedicarse a la magia negra. Tiempo después, regresa bajo el nombre de Tara Zulú y llega a conseguir el Tercer Ojo, máximo grado de sabiduría tibetana, que lo lleva a convertirse en el mago más poderoso del mundo. Deseoso de convertirse en el nuevo Dalái Lama, el llamado Dr Muerte va ahora por el único que puede detenerlo: Kalimán, a quien conoce desde sus orígenes en el Monasterio.

En vivo → conéctate con la señal de Radio Nacional de Colombia

El terrible Miklos

El magnate griego Miklos Rogasis busca conquistar el mundo mediante la obtención de la fórmula de un combustible cientos de veces más poderoso que el petróleo. Para esto, se va a la caza del inventor de la fórmula, el físico alemán Hans Beyle, quien no tiene más remedio que acudir a la protección de Kalimán.

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El Conde Bartok

Foto: JSalda / fandom.com

Sergio de Bartok nació en 1832 en Reino Unido y es un vampiro que sobrevive chupándole la sangre a las esposas que acumula con el paso de las décadas. Es el villano de la serie El Valle de los vampiros. Y aunque morirá durante el incendio en un castillo, regresará como un espectro en otra serie llamada La sombra del terror.

Namilak

Foto: JSalda / fandom.com

Dice una profecía que el séptimo día, del séptimo mes, del séptimo año y de la séptima década, la séptima reencarnación de la diosa Kali está destinada a morir. Es decir, Kalimán. La Séptima Muerte se manifiesta en Namilak, una proyección idéntica, pero opuesta de Kalimán, empezando por el orden inverso de las letras de su nombre. Namilak viste de negro y tiene los valores del Hombre Increíble invertidos, así que buscará aniquilar a la humanidad. En El Cairo, Egipto, ambos se enfrentarán en una batalla final.

Comahué

Foto: JSalda / fandom.com

Pierre Lafont es el nombre verdadero de este estafador francés que se hace pasar como indígena peruano con el fin de robarse un tesoro inca. Con la ayuda de su novia, Lafont roba una máscara de un museo arqueológico en Lima para fingir que es la encarnación del “Hijo del sol”: el elegido, según la mitología inca, de liberar a los indígenas del dominio del hombre blanco. Después de muchos intentos de ponerlo al descubierto, Kalimán será más contundente con él.

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Karma

Karma, al igual que Kalimán, es un monje tibetano aspirante al grado de Dragón Rojo, nivel máximo de sabiduría para los lamas, y decide deshacerse de él cuando se convierte en su principal competencia para obtener el Libro Blanco de la Sabiduría. Luego de morir varias veces, el Dalái Lama convierte al espíritu de Karma en un halcón a la espera de que reencarne siete veces en otras aves y vea reparados sus pecados.

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Humanón

Foto: JSalda / fandom.com

De origen y nombre desconocido, Humanón es un prodigio de la medicina capaz de congelar cuerpos, revivirlos y crear monstruos con de diferentes cadáveres. Comenzó a armar ejércitos con nativos amazónicos para que cumplieran sus órdenes, volviéndolos perros-hombres y monos-hombres. En la búsqueda por genios que aumenten el intelecto de su ejército, Kalimán se vuelve su objetivo. Al final, cuando Humanón caiga derrotado, se revelará como un anciano con extremidades robóticas.

Festival Estéreo Picnic 2025 416e1l programación del viernes 28 de marzo

Fri, 28 Mar 2025 16:21:36 +0000

Festival Estéreo Picnic 2025: programación del viernes 28 de marzo

Festival Estéreo Picnic. Foto: Paramo Presenta

afcastellanos Vie, 28/03/2025 - 11:21

El día 2 del Festival Estéreo Picnic 2025, en el Parque Simón Bolívar de Bogotá, presenta gran diversidad de géneros y artistas luego de una jornada inaugural que dejó presentaciones inolvidables, como la de la cantautora canadiense Alanis Morissette.

Del punk rock de The Hives, al pop de Justin Timberlake, pasando por el metal estilizado de Tool, el perreo de Danny Ocean o la descarga electrónica de Hercules and the Love Affair, Estéreo Picnic 2025 llega este viernes con sonidos para todos los gustos.

Recuerda que Radiónica, emisora de RTVC Sistema de Medios Públicos, trae todos los detalles de la edición actual de este "mundo distinto", con contenido minuto a minuto y en tiempo real, que podrás seguir a través de sus plataformas digitales.

Radiónica en el FEP 2025 → Minuto a minuto de todo lo que pasa en el festival

Programación Festival Estéreo Picnic 2025 - día 2: viernes 28 de marzo

Escenario Johnnie Walker
Gabriela Ponce: 15:30 - 16:15
Oh'laville: 17:00 - 17:45
The Hives: 18:45 - 19:45
Parcels: 20:45 - 21:45
Justin Timberlake: 23:15 - 00:45

Escenario Adidas
Lunalé: 14:45 - 15:30
Gato E' Monte: 16:15 - 17:00
Michael Kiwanuka: 17:45 - 18:45
Incubus: 19:45 - 20:45 (Cancelado por motivos de salud de integrantes de la banda)
Tool: 21:45 - 23:15
Danny Ocean: 00:45 - 01:45

Escenario Presente
Bad Milk: 15:30 - 16:15
Magna: 17:00 - 17:45
Elena Rose: 18:45 - 19:45
Nath: 20:45 - 21:45
Julianna: 00:30 - 01:30
Richie Hawtin Def Efx Xox: 01:45 - final de la jornada

Escenario Falabella
Yo No La Tengo: 16:15 - 17:00
Kidchen: 17:45 - 18:45
Neil s: 19:45 - 20:45
Barry Can't Swim: 22:15 - 23:15
Modeselektor: 00:45 - 02:15

Club FEP Coke Studio
Goma: 16:00 - 17:00
Salvador & Elías: 17:00 - 18:00
Mariana Hadad: 18:00 - 19:00
GOP Tun DJs: 19:00 - 21:00
DJ Mynx: 21:00 - 23:00
Cruz: 23:00 - 00:00
Swing De Sasha: 00:00 - 01:00
Hercules and Love Affair: 01:00 - final de la jornada

Festival Estéreo Picnic 2025 416e1l programación del jueves 27 de marzo

Thu, 27 Mar 2025 14:34:54 +0000

Festival Estéreo Picnic 2025: programación del jueves 27 de marzo

Estéreo Picnic 2025: foto Páramo Presenta

afcastellanos Jue, 27/03/2025 - 09:34

Del 27 al 30 de marzo, el Festival Estéreo Picnic 2025 reúne en el Parque Simón Bolívar de Bogotá a algunos de los actos musicales más importantes del mundo en pop, rock, indie, metal, jazz, nuevos sonidos y tendencias urbanas.

En su día de apertura, en el FEP se presentan artistas como los canadienses Alanis Morissette y Shawn Mendes y el francés Kavinsky y agrupaciones como Foster the People de Estados Unidos. Por Colombia, en las 5 tarimas habilitadas estarán nombres de enorme proyección como Armenia y Kei Lynch.

Radiónica, emisora de RTVC Sistema de Medios Públicos, informará desde sus plataformas digitales todos los detalles de Estéreo Picnic 2025, con contenidos minuto a minuto e imágenes y videos en tiempo real.

Radiónica en el FEP 2025 → Minuto a minuto de todo lo que pasa en el festival

Programación Festival Estéreo Picnic 2025 - día 1: jueves 27 de marzo

Escenario Johnnie Walker
Mayra Sánchez: 3:30 - 4:15
Armenia: 5:00 - 5:45
Benson Boone: 6:45 - 7:45
Tate Mcrae: 8:45 - 9:45
Shawn Mendes - 11:15 - 12:45

Escenario Adidas
Miel: 2:45 - 3:30
Jaze: 4:15 - 5:00
Teddy Swims: 5:45 - 6:45
Foster The People: 7:45 - 8:45
Alanis Morissette: 9:45 - 11:15
Zedd: 12:45 a 2:00 a. m.

Escenario Presente
Raquel: 3:30 - 4:15
Balthvs: 5:00 - 5:45
Arde Bogotá: 6:45 - 7:45
The Marías: 8:45 - 9:45
Clubz: 11:45 - 12:45
Kavinsky: 2:00 - final de la jornada

Escenario Falabella
Ángel Dumile: 4:15 - 5:00
PabloPablo: 5:45 - 6:45
Kei Linch: 7:45 - 8:45
Artemas: 10:15 a 11:15
Almma: 12:30 a. m. a 1:30 a. m.
Blond:ish: 1:30 - final de la jornada

Pulp Fiction 5b173t curiosidades definitivas a 30 años de su estreno

Wed, 09 Oct 2024 16:31:07 +0000

Pulp Fiction: curiosidades definitivas a 30 años de su estreno

Uma Thurman es Mia Wallace en Pulp Fiction. Foto: Miramax

afcastellanos Mié, 09/10/2024 - 11:31

El 14 de octubre de 1994 fue el estreno mundial de Pulp Fiction: superproducción de Quentin Tarantino, protagonizada por John Travolta, Uma Thurman, Bruce Willis y Samuel L. Jackson. Traducida al español como Tiempos Violentos, es un clásico absoluto del cine del Siglo XX y la película más icónica del director de otras joyas como Kill Bill (2003), Inglorious Basterds (2008), Django Unchained (2012) y Once Upon a Time in Hollywood (2019).

A 30 años del estreno de Pulp Fiction

Proyectada por primera vez el 21 de mayo de ese año en el Festival de cine de Cannes, Pulp Fiction fue la sorprendente ganadora de la Palma de Oro, gracias a su formato novedoso de historias cruzadas en desorden cronológico, ultraviolencia, referencias del cine Serie-B de los años 60, humor negro y diálogos interminables. Elementos que conforman el cine de autor de Quentin Tarantino y que comenzaron a perfilarse desde su ópera prima, Reservoir Dogs (1992).

El elenco de Pulp Fiction en el Festival de Cannes de 1994. Foto: Getty Images/AFP

A 30 años de su estreno, múltiples teorías y conjeturas acompañan a esta película de culto que, a pesar de su genialidad, perdió el Premio Oscar a Mejor Película en 1995 con Forest Gump: una historia de superación personal, protagonizada por Tom Hanks y dirigida por Robert Zemeckis. Por eso, a propósito de las tres décadas del estreno de Pulp Fiction, presentamos diez curiosidades que acompañan a este clásico inmortal del cine.

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Diez curiosidades de Pulp Fiction

1) Una taquilla histórica

Pulp Fiction tuvo un presupuesto de 8 millones de dólares y una recaudación de 214. Es decir, 25 veces más de su inversión. Una cifra histórica para esta película independiente, producida por Miramax.

Aunque ya pasaron 30 años de su estreno, Pulp Fiction se mantiene en el top-10 de películas independientes con mayor taquilla, superada por otras grandes producciones que llegaron años después, como Full Monty (1997), Blair Witch Project (1999) y Juno (2007).

2) El hermano de Vincent Vega

Una característica del cine de autor de Quentin Tarantino es que las películas que escribió, produjo y dirigió conviven en el mismo universo: una idea realmente innovadora para la primera mitad de la década del 90. De ahí, que los personajes de sus películas coman hamburguesa de la marca ficticia Big Kahuna o fumen cigarrillos de la marca ficticia Red Apple.

Los cigarrillos y las hamburguesas del universo Tarantino

Entre las referencias múltiples que comprueban estas conexiones sobresale la relación entre Vincent Vega (John Travolta), protagonista de Pulp Fiction, y Vic Vega (Michael Madsen), el mafioso más demente de Reservoir Dogs, primera película de Tarantino.

Michael Madsen en Reservoir Dogs (1992) y John Travolta en Pulp Fiction (1994). Fotos: Miramax

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En el universo Tarantino, Vincent y Vic son hermanos gemelos. De hecho, el director le ofreció inicialmente a Madsen el papel que terminó tomando Travolta en Pulp Fiction. Para 2019, el cineasta reveló que existió el proyecto de rodar una precuela que iba a llamarse Double V Vega, cuando los hermanos vivían en Ámsterdam.

3) El maletín negro

Samuel Jackson, Tim Roth y el maletín luminoso en la escena final de Pulp Fiction. Foto: Miramax

El mayor misterio alrededor de Pulp Fiction es el maletín negro que Vincent Vega y Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) custodian durante gran parte de la película. Son varias las ocasiones en que los personajes abren el maletín y una luz dorada se refleja contra sus caras sin que se revele el contenido.

Una teoría sobrenatural sobre este misterio apunta a que el maletín contiene el alma de Marcelus Wallace. Desde el comienzo de la película, al gánster interpretado por Ving Rhames se le ve una curación en la parte trasera del cuello y, según la tradición popular, el Diablo extrae el alma de las personas por la nuca. Para reforzar esta teoría, la clave que abre el maletín es 666: número bíblico que identifica al anticristo.

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Según una teoría más racional, el maletín es el mismo de Reservoir Dogs que contenía unos diamantes y eso explicaría el brillo intenso que emana de su interior. En cualquier caso, Quentin Tarantino sostiene que la teoría correcta es la que más nos guste.

4) La taxista colombiana

Butch (Bruce Willis) y Esmarelda (Angela Jones) en Pulp Fiction. Foto: Miramax

Cuando el personaje de Butch (Bruce Willis) escapa de la pelea de boxeo que ganó (pero que debía perder porque estaba arreglada), entra a un taxi manejado por una joven que afirma ser colombiana y evidencia cierto morbo por el hecho de que Butch asesinó a su rival en el ring. Durante esta conversación, Butch mira la identificación de la joven y descubre que se llama «Esmarelda» Villalobos: prueba fehaciente de que la producción de Pulp Fiction sufría de dislexia colectiva o sabía muy poco español.

5) Hay otra película con la taxista colombiana

Imagen promocional de Curdled (1996), producida por Quentin Tarantino

Angela Jones es el nombre de la actriz que interpreta a Esmarelda en Pulp Fiction. Lo que casi nadie conoce es que su personaje de taxista viene de otra película llamada Curdled, lanzada como cortometraje en 1991 y como largometraje en 1996. Producida por Quentin Tarantino, esta película cuenta la historia de un asesino serial (William Baldwin) cuya protagonista es la taxista colombiana (cómplice del asesino), con la diferencia de que su nombre es Gabriela.

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6) La aparición de Steve Buscemi

Steve Buscemi en Pulp Fiction

Steve Buscemi fue uno de los protagonistas de Reservoir Dogs. Su papel de Mr. Pink, un ladrón con cierto nivel de ética, es uno de los más queridos y recordados de la primera película dirigida por Tarantino y fue fundamental para el despegue de la carrera del actor neoyorquino.

Buscemi tiene un papel fugaz en Pulp Fiction. Cuando Vincent Vega y Mia Wallace llegan a Jack Rabbit Slim's, restaurante temático de los años 50 donde hacen su recordado baile, los atiende Buscemi con un disfraz ridículo del cantante Buddy Holly. De hecho, es ahí que se produce uno de los diálogos más divertidos de la película, cuando Vincent se indigna por el precio desmesurado de la malteada: 5 dólares.

7) Un anticipo de Kill Bill

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En la escena de la malteada de 5 dólares, Mia le cuenta a Vincent que participó en el piloto de una serie de televisión conformada por una mujer de pelo rubio, una japonesa maestra de kung-fu, una mujer negra que trabajaba en demoliciones y ella: una maestra con los cuchillos. El elenco exacto de Kill Bill, película lanzada nueve años después y protagonizada justamente por Uma Thurman.

8) Récord de insultos con la letra F

La icónica escena de baile de Pulp Fiction. Foto: Miramax

El insulto más popular de los estadounidenses se repite en Pulp Fiction 265 veces. Un récord escandaloso para el cine de ese momento, pero que duraría muy poco porque al año siguiente lo superó Casino de Martin Scorsese, donde se repite 422 veces.

Como si se tratara de una competencia, este insulto comenzó a usarse de manera más compulsiva en el cine del Siglo XXI. Para 2024, las tres películas que más lo incluyen son la comedia canadiense Swearnet (935), el documental F*ck (857) y la memorable The Wolf of Wall Street (569).

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9) Los protagonistas que no fueron

Como ocurre con producciones que en principio no lucen atractivas, pero con el tiempo se convierten en clásicos, en Pulp Fiction grandes superestrellas rechazaron papeles protagónicos. Por ejemplo, el personaje de Butch (un boxeador caído en desgracia) se le ofreció a Sylvester Stallone y Mickey Rourke, pero fue finalmente aceptado por Bruce Willis, quien ya había rechazado el de Vincent Vega, el cual terminó interpretando John Travolta.

Sin embargo, el rechazo más sorprendente de Pulp Fiction tiene que ver con el papel de Mia Wallace. El personaje, que pasó a la historia del cine gracias a la interpretación de Uma Thurman, fue ofrecido con insistencia a Julia Lewis-Dreyfuss, que declinó una y otra vez debido a sus compromisos con la serie de comedia Seinfeld.

10) ¿Parodia a la religión?

John Travolta y Samuel Jackson en la escena del pasaje bíblico. Foto: Miramax

Una de las escenas más memorables de Pulp Fiction nos sitúa en un apartamento donde Jules, antes de ajusticiar a sus futuras víctimas, cita el pasaje bíblico de Ezequiel 25:17. Sin embargo, este monólogo de Samuel L. Jackson, que pasó a la historia del cine, no corresponde con lo que dice el evangelio.

Esta referencia equivocada podría interpretarse como una parodia a la religión, lo cual se confirmaría minutos después, cuando Jules y Vincent se salvan de los disparos a quemarropa de un tipo que estaba escondido en una habitación. Jules atribuye esta situación a la intervención divina. Sin embargo, los agujeros de bala a espaldas de ambos ya estaban al comienzo de la escena, por lo que se concluye que se salvaron no por intervención divina, sino porque los disparos del tipo escondido fueron con un arma de fogueo, o algo así.

Joker 2 s144x ¿por qué la están destrozando?

Fri, 04 Oct 2024 23:47:28 +0000

Joker 2: ¿por qué la están destrozando?

Lady Gaga y Joaquin Phoenix, protagonistas de Joker: folie à deux. Foto: Warner Bros.

afcastellanos Vie, 04/10/2024 - 18:47

Joker: folie à deux (mejor conocida como Joker 2) pasó de ser uno de los estrenos de cine más esperados a una de las mayores decepciones de 2024. Con la vara de la presión muy alta debido a su espectacular primera parte (Joker-2019), la nueva película de Todd Phillips fue destrozada ni bien llegó a los cines del mundo este 4 de octubre, a pesar de contar con aspectos destacados como su fotografía y una nueva actuación deslumbrante de Joaquin Phoenix.

Argumento general de Joker 2

Joker: Folie à deux (término psiquiátrico que en francés traduce «locura de dos»), se enfoca en Arthur Fleck (Joaquin Phoenix), una vez recluido en la prisión de Arkham. Allí, lleva una vida gris hasta que conoce a Harleen Quinzel (Lady Gaga), otra reclusa mentalmente perturbada. La pareja pronto se enamora, mientras terminan de asumir sus nuevas personalidades de Joker y Harley Quinn.

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Críticas negativas para Joker 2

«Joker 2 es una secuela innecesaria y por lo mismo salió mal. Cuando en una película lo mejor es la actuación de una cantante que no se destaca cantando (en referencia a Lady Gaga) lo mejor es salir corriendo», comenta Miguel Garzón, periodista especializado en cultura geek y asistente al estreno para prensa de la película en Colombia.

Las plataformas más populares en calificación de cine también son unánimes con las reacciones negativas hacia Joker 2. En Rotten Tomatoes, la crítica le da un 34% de calificación y el público un 36% Lo anterior quiere decir que los conceptos de especialistas y periodistas culturales se igualan por lo bajo a los de la audiencia del común.

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Ligeramente más benévolas han sido las valoraciones generales en IMDB y Filmaffinity que, para la jornada del estreno mundial, le otorgaban un puntaje de 5,4 y 5,1 sobre 10.

Razones de las malas críticas para Joker 2

Su componente musical

Después del estreno de prensa, USA Today calificó a Joker 2 como «un número musical decepcionante, donde los talentos de Lady Gaga no están bien utilizados». Los comentarios en general resaltan lo anticlimático que resultó darle un giro musical a una película por naturaleza violenta, oscura, dramática y de suspenso psicológico.

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Todd Phillips justificó la variante musical de Joker 2 bajo el argumento de no repetir la fórmula de la primera parte y de profundizar, mediante este nuevo gancho, en la relación de sus protagonistas. Sin embargo, de acuerdo con las críticas, los múltiples números musicales de Joker 2 lucen desconectados, asépticos o impuestos y no transmiten una emoción real.

No era necesaria una segunda parte

Joker 2 luce innecesaria por la intención inicial de su director de ser una historia unitaria, sin secuelas ni universos. Esa experiencia redonda de la primera parte (que se enfoca en la psicología del personaje, más allá de ser el enemigo de Batman) se desvanece adicionalmente en la secuela por su debilidad narrativa.

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No obstante, las casas productoras y distribuidoras, DC Studios y Warner Bros Pictures, resolvieron lanzarla teniendo en cuenta la recaudación total de la primera parte, que superó los mil millones de dólares, frente a los 55 de su presupuesto.

Su dependencia nociva hacia la primera

Según el canal de YouTube Fuera de foco, hay un exceso de recuerdos de la primera parte que pretenden llenar de una manera desesperada los vacíos en la historia de la segunda y que le impiden a Joker 2 defenderse por sí sola.

«Resulta bastante decepcionante el ver cómo está película entera necesita estar referenciando a la primera, una y otra vez. La historia de esta secuela solamente es vamos a hablar de lo que pasó en la primera película y hasta vamos a usar flashbacks. Como si a Todd Phillips se le olvidara la cartulina el domingo a las 11 de la noche».

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Si bien las críticas iniciales de Joker: Folie à deux son decepcionantes, el cine es una experiencia personal que invita a formar opiniones propias. Por eso, al tratarse de un blockbuster, la película con seguridad tendrá tiempo suficiente en las salas de cine de Colombia, para que sea el público local el que confirme o desmienta esta mala recepción.

Edgar Allan Poe 5lz1p o mejor Edgar Allan Pop

Fri, 04 Oct 2024 19:59:49 +0000

Edgar Allan Poe, o mejor Edgar Allan Pop fgiraldo Vie, 04/10/2024 - 14:59

¿Te gustan las películas de Sherlock Holmes? Pues te contamos que estás siendo influenciado por el genio de Edgar Allan Poe, ¿Cómo?, pues quizás no te has dado cuenta, pero los tentáculos de la influencia del nacido en Boston, Estados Unidos, se extienden tanto como puedas imaginarte, abarcando no sólo la literatura, sino también el cine, la música y hasta la pintura.

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Inspirados por la grandeza de Edgar Allan Poe quisimos explorar a profundidad toda la influencia que este crack de las letras tuvo sobre la cultura.

Sin más que decir, entremos en materia: por qué Edgar Allan Poe es un hito de la cultura pop

Empecemos por aclarar el inicio de este artículo. Las aventuras del detective de Baker Street están inspiradas, según confesó el autor Arthur Conan Doyle, en Auguste Dupin, personaje del cuento de Poe: ‘Los crímenes de la calle Morgue’ (considerado además el primer relato policial). De hecho, si te gusta el género policial o la novela negra, le debes agradecer a Poe quien con este cuento y otros como ‘El misterio de Marie Rogêt’ y ‘La carta robada’, sentaron las bases del género que después otros como Conan Doyle, Gaboriau y Maurice LeBlanc evolucionaron. Cabe recordar que cuando Poe concibió a su personaje de Dupin, no existía ni siquiera el término “detective”.

Edgar Allan Poe y el nuevo terror:

El terror tuvo un antes y un después en Poe que con un estilo único apeló a la plausibilidad psicológica mezclándola con lo gótico, desechando además el factor sobrenatural. Así se construyó una nueva forma de hacer terror: el terror de lo posible. Gracias a esto es que hoy disfrutas de libros clásicos del género como ‘El extraño caso del doctor Jekyll y Mr. Hyde’ o la extensa narrativa de otros íconos del terror como Howard Phillip Lovecraft y Stephen King, quien reconoció la influencia que tuvo en su vida la obra de Allan Poe. El escritor colombiano Andrés Caicedo, autoproclamado fanático del autor estadounidense, también tiene alcance de la obra de Poe en la suya, al punto que en Calicalabozo realizó una nueva versión de la famosísima ‘Berenice’.

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Poe y el cine:

Este es un aparte que requeriría un artículo entero para abarcar todas las adaptaciones que se han hecho de la obra del bostoniano en el séptimo arte. Por eso solo mencionaremos algunas de las más destacadas o curiosas.

Por ejemplo, no puede evitar destacar la relación que hay entre la obra de Poe y los grandes actores del cine de terror Bela Lugosi y Boris Karloff: En 1932 Lugosi hizo su primera película inspirada en la obra del autor gótico, cuando protagonizó ‘Los crímenes de la calle Morgue’. Ya en 1934 se uniría a Karloff para la adaptación de ‘El gato negro’, actuación que Lugosi repetiría en otra película del mismo nombre de 1941. En 1935 la pareja de maestros del terror repitió la llave en la adaptación de ‘El cuervo’.

En esa misma línea hay un director cuyo nombre se liga directamente al de la obra de Poe: Roger Corman. Este director norteamericano realizó una serie de películas de adaptaciones de los cuentos del autor de Boston entre 1960 y 1965. A lo largo de 6 años, Corman realizó versiones de ‘La caída de la casa de Usher’ (1960), ‘El pozo y péndulo’ (1961), ‘El entierro prematuro’ (bajo el nombre ‘La obsesión’ – 1963), ‘El cuervo’ (1964), ‘La tumba de Ligeia’ (1964) y ‘La máscara de la Muerte Roja’ (1965). A estas películas se suma ‘Historias de terror’ (1962) que reúne adaptaciones de otros relatos como ‘El Tonel Del Amontillado’, ‘El Gato Negro’, ‘El Extraño Caso Del Señor Valdemar’” y ‘Morella’.

De la relación de Corman y Poe se desprende además un gran descubrimiento para el mundo del cine de terror, pues fue en ‘La caída de la Casa de Usher’ que debutó en la pantalla grande Vincent Price, quien a la larga se convertiría en la cara y voz del género.

En 1968 tres reconocidos directores de la época: Federico Fellini, Roger Vadim y Louis Malle, produjeron ‘Historias extraordinarias’, un filme donde cada director adaptó un relato de los menos conocidos de Poe, encargándose Vadim de ‘Metzergenstein’, Malle de ‘William Wilson’ y Fellini de ‘Nunca apuestes tu cabeza al diablo’. Además, en esta producción aparecen las recordadas actrices Jane Fonda y Brigitte Bardot.

Ya más épocas más recientes, podemos hablar de películas como ‘Los ojos del diablo’ (1992) de George Romero y Dario Argento. Los dos directores, recordados por ser grandes nombres del cine de serie B con títulos como ‘La noche de los muertos vivientes’ (Romero) y ‘Supiria’ (Argento), decidieron hacer una adaptación de dos cuentos de Poe: ‘Los hechos del caso del Sr. Valdemar’ y ‘El Gato Negro.

Y finalmente, en este apartado, recordamos la película de 2012 ‘El cuervo’, protagonizada por John Cusack en el papel de Poe y que cuenta la historia ficticia de un asesino serial que se inspira en los cuentos del autor para cometer sus asesinatos y a quien, parece, solo el mismísimo Edgar podrá detener.

Poe y la televisión:

La pantalla chica, como era de esperar, también ha sido víctima del influjo de Poe y son bastantes las veces que la vida y obra del escritor bostoniano han sido fuente de inspiración para la televisión.

La telenovela gótica ‘Sombras tenebrosas’ (que tuvo un remake fílmico en tono de comedia en el 2012) fue emitida entre 1966 y 1971 y entre sus capítulos contó con cuatro historias tomadas de la obra de Poe: ‘El entierro prematuro’, ‘El corazón delator’, ‘El Tonel Del Amontillado’ y ‘El pozo y el péndulo’.

Más recientemente, el afamado programa de televisión ‘Los Simpson’ ha hecho numerosas referencias a Poe y su obra. La primera de todas sucedió en el capítulo ‘La casita del terror 1’ cuando se recreó el poema ‘El Cuervo’ con la narración de James Earl Jones. Otro episodio con referencias es ‘La rival de Lisa’, donde Lisa se enfrenta en un concurso de dioramas a otra chica que recrea una escena de ‘El corazón delator’ en su diorama y así hay un sinfín de referencias al autor en estas caricaturas.

Otros shows de dibujos animados que han tomado elementos o realizado adaptaciones del autor gótico incluyen ‘Beetlejuice’, ‘Futurama’, ‘South Park’, ‘Gravity Falls’ y ‘Bob Esponja’.

En el campo de la no ficción, son incontables las versiones o referencias de Poe, pero cabe destacar programas como ‘The Following’ donde el personaje de Kevin Bacon debe perseguir a un asesino serial que se inspira en los cuentos del autor originario de Boston.

Como curiosidad, en 2014 la cadena ABC preparaba una serie de época que presentaba a Poe como el primer detective de la historia. Finalmente, solo habiendo producido el piloto, el proyecto fue descartado. A su vez, la BBC lleva ya cuatro temporadas del seriado 'Sherlock' que es protagonizado por Benedict Cumberbacht y Martin Freeman.

Poe y la música:

La influencia de los cuentos de Poe puede rastrearse hasta la mismísima ópera: el famoso compositor francés Claude Debussy dejó una obra inacabada que tenía como base ‘La caída de la casa de Usher’, mientras que el ruso Serguéi Rajmáninov hizo una sinfonía inspirada en el poema ‘Las campanas’.

En 1989, el minimalista Phillip Glass compuso una ópera basada en ‘La caída de la casa de Usher’, mientras que Augusta Reah Thomas y Bruce Adolphe también escribieron sendas piezas operísticas inspiradas en ‘Ligeia’ y ‘El corazón delator’ respectivamente,

Más adelante, Poe aparecía, entre Carl Gustav Jung y Fred Astaire, en la recordadísima carátula del ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ de los Beatles quienes además le mencionaban en ‘Am the walrus’, canción del álbum ‘Magical mistery tour’.

Ya después el rock and roll tomó el testigo de las letras de Poe y son numerosas las obras que lo toman como inspiración o lo refieren: el poema ‘Anabelle Lee’ ha sido versionado por solistas como Joan Baez, así como por las agrupaciones Fletwood Mac, Radio Futura y Black Rebel Motorcycle Club. Inclusive, la canción ‘Just like heaven’ de la banda inglesa The Cure está inspirada en este texto de Poe.

También son incontables las bandas que han hecho canciones inspiradas en ‘El Cuervo’, quizá el poema más famoso del oriundo de Boston. En dicha lista podemos enumerar, entre otros muchos, a Alan Parsons Project, Lou Reed, Five Iron Frenzy, Glass Prism y Nevermore.

Pero más allá de canciones, la obra de Poe también ha inspirado álbumes completos como ‘Closed on of Rabies’, un disco doble que incluye narraciones de Christopher Walken, Iggy Pop y Gala Diamanda. En la misma línea, el disco ‘The Raven’ de Lou Reed, relata cuentos y poemas, apoyados por artistas invitados como David Bowie, Steve Buscemi y Willem Dafoe.

El primer disco conceptual alrededor de la obra de Poe y sus creaciones apareció en 1969 por cuenta de la agrupación inglesa Glass Prism bajo el nombre ‘Poe through the glass prism’. De hecho, su canción ‘The Raven’ llegó al top 100 de Billboard en ese año.

Después apareció disco el debut de Allan Parsons Project, llamado ‘Tale of mistery and imagination’, nombre tomado de una colección de historias de Poe publicado en 1908.

A su turno, el metal ha dedicado muchas horas de música a la historia del escritor y a sus publicaciones. La agrupación española Ópera Magna publicó el disco ‘Poe’ en 2010 con canciones inspiradas en los cuentos de terror del autor, pero también en la propia historia de vida del norteamericano.

En el mismo sentido, en España se publicó la trilogía de discos ‘Edgar Allan Poe. Legado de una tragedia’, una ópera rock, divida en tres discos: el primero relata su vida, mientras que la segunda y la tercera recrean dos viajes ficcionales del autor; uno por los nueve círculos del infierno en busca de redención y otro por el mundo de los sueños donde enfrentará sus creaciones. Estos discos fueron grabados por una superbanda que incluía cantantes y músicos de otras agrupaciones reconocidas del metal ibérico como Warcry, Saratoga, Mago de Oz, Stravaganzza, Barón Rojo y Lujuria entre otros.

Edgar Allan Poe y los videojuegos:

Esta nueva industria cultural y de entretenimiento tampoco ha escapado a los largos tentáculos de la influencia del autor de ‘El cuervo’ y son bastantes las referencias que pueden encontrarse de él y su obra en diferentes videojuegos.

Para empezar, el juego de Game Cube ‘Eternal darkness sanity’s requiem’ tiene bastantes guiños al autor, como el hecho de que la historia se desarrolle en una mansión que calca mucho de lo descrito en ‘La caída de la casa de USher’, hasta en la presencia de libros de Poe en la biblioteca. Pero la referencia más clara está en el intro, donde se hace uso de una frase de ‘El Cuervo’: “Profundamente en la oscuridad, tratando de ver, me mantuve ahí durante largo tiempo, preguntándome, temiendo, dudando…”

Juegos como ‘Dark Tales: Edgar Allan Poe’s Murders in the Rue Morgue’, se basan enteramente en el relato de ‘Los crímenes de la Calle Morgue’ e invitan al jugador a asumir el rol de Auguste Dupin.

Otros juegos para pc como ‘The Last Door’, ‘Midnight Mysteries: The Edgar Allan Poe’s Conspiracy’ y ‘The Dark Eye’ tienen numerosas referencias de los cuentos de Poe, siendo el segundo el de mayor inspiración en el autor bostoniano. De hecho, el segundo, tiene como premisa relatar todos los cuentos del autor gótico para que el jugador resuelva los misterios.

Un dato curioso: en ‘The Dark Eye’ puede apreciarse la lectura en voz del autor William Burroughs de ‘Anabelle Lee’.

Edgar Allan Poe y los comics:

Para terminar este repaso pop de la influencia del bostoniano, no podíamos olvidarnos de otro campo en el que sus obras y vida inspiraron en una gran cantidad: las historietas.

La referencia más vieja de Poe en un comic puede encontrarse en un clásico del noveno arte: En 1940 Detective Comics que en su número 44, hace un guiño a la obra del autor gótico con la aparición en las viñetas de un libro de ‘El escarabajo de oro’. Pero la unión de Poe y Batman solo se hizo realidad hasta 2003 con la publicación de ‘Batman: Nevermore’ de Len Wein y Guy Davis

En los 40 y 50 la obra del autor gótico fue incluida en publicaciones como ‘Classic comics’ y ‘Yellowjacket comics’. En 1964 Poe apareció protagonizando el número 12 de ‘The Atom’.

Quizá la obra más destacada en este campo sea ‘La guarida del horror: Edgar Allan Poe’ de Dark Horse Comics, donde el reconocido ilustrador Richard Corben da vida a relatos como ‘El cuervo’, ‘El corazón acusador’, ‘El espíritu de los muertos’, ‘La máscara de la Muerte Roja’ y ‘La caída de la casa de Usher’.

Como ves, es mucha la influencia de Poe en la cultura pop y abarca campos muy diferentes. Ahora cuéntanos tú, ¿Cuál de las obras inspiradas en la obra del autor norteamericano es tu favorita?

Freddie Mercury 27213l diez momentos irrepetibles

Wed, 04 Sep 2024 19:44:10 +0000

Freddie Mercury: diez momentos irrepetibles

Freddie Mercury

afcastellanos Mié, 04/09/2024 - 14:44

Conmemoramos el que sería el cumpleaños número 78 de Freddie Mercury: ídolo de la música y de las presentaciones en vivo.

¿Quién quiere vivir para siempre? Es una de las canciones que escribió Freddie Mercury en 1986 y que se volvería premonitoria. Una de las estrellas más luminosas de la música contemporánea, nació el 5 de septiembre de 1946 y falleció el 24 de noviembre de 1991, dejando un el legado poderoso como su voz y único como su presencia en el escenario.

Nacido bajo el nombre de Farrokh Bulsara en Stone Town, Ciudad de Zanzíbar, actual Tanzania, Freddie Mercury llegó a los 17 años a Inglaterra a continuar sus estudios en diseño gráfico. Allí hizo real el fantasioso deseo de hacer una ópera rock y de convertir cada concierto en un verdadero espectáculo teatral. Por eso hacemos un recorrido por sus 10 momentos más icónicos.

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Queen

En el Ealing College of Art de Londres nació Queen. Mercury conoció allí al cantante Tim Staffel, quien junto al guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor formaron la banda Smile: un grupo de hard rock psicodélico del que Mercury era gran seguidor y del que acabaría siendo su vocalista, cuando Staffel abandonó la formación en abril de 1970. Meses después cambiarían su nombre a Queen, adoptando la idea de Freddie, que ya no era Bulsara sino Mercury. Meses después John Deacon se uniría a banda.

Una de las primeras genialidades de Farrokh fue creer y crear una banda perfecta.

Bohemian Rhapsody

En el lado B del cuarto álbum de Queen llamado A Night at the Opera (1975) inquietó una canción que originalmente eran tres. La insistencia de la banda a la disquera EMI por lanzar una canción de seis minutos trajo consigo el mayor éxito de la banda. Esta ópera rock se consolidó como la canción más escuchada del siglo XX, según Guinness Récords.

Love of my life

En ese mismo álbum y para dar cuenta de lo versátil que era la banda en nivel interpretativo y composición, Mercury escribió esta canción a Mary Austin: su pareja y amiga cercana durante muchos años. Aunque Mercury tuvo numerosas parejas, siempre dejó en claro que su amor por Mary era incondicional.

Under pressure

En 1981, en Montreux, Suiza, mientras la banda grababa Hot Space (1982), recibieron la visita David Bowie, quien estaba en el mismo estudio grabando el tema principal para la película de terror El beso de la pantera (1982). Al enterarse de que Freddie estaba tan cerca de él, Bowie lo saludó y le ofreció participar en Cool Cat, uno de sus nuevos temas.

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Según Roger Taylor, "David llegó una noche y estábamos tocando canciones de otras personas para divertirnos, simplemente para improvisar. Al final, David dijo: esto es estúpido, ¿por qué no escribimos una?" De la improvisación de la banda y la grabación por separado de las voces salió una canción
inigualable.

Siempre visible

“Me divierto con mi forma de vestir en el escenario. No es un concierto lo que estás viendo, es un desfile de moda", comentó en algún momento Mercury. En 1975 tuvo una de las puestas en el escenario más icónicas al usar los atuendos de la diseñadora Zondra Rhodes: trusas de arlequín, mayas ajustadas, atuendos de cuero y faldas, desafiando al qué dirán mediante su canción I want to break free.

Ícono LGBTIQ

Aunque siempre se comentó que su extravagancia en el escenario, nutrida de su vestimenta, vendría de su homosexualidad, fue hasta 1974 cuando Mercury se refirió a sí mismo como “gay como un narcis” durante una entrevista en la revista NME. A pesar de esto, nunca fue realmente directo con el tema.

Sin embargo, en 1987 los resultados de unas pruebas médicas mostraron que Freddie Mercury era VIH positivo. En aquella época se sabía de esa enfermedad poco más que de su alta mortalidad y las víctimas de ese virus seguían siendo estigmatizadas, por lo que el cantante decidió seguir trabajando.

Barcelona

Su segundo disco en solitario traía un sueño entre notas: cantar con una de las cantantes de ópera más reconocidas, Montserrat Caballé. Barcelona se convirtió en un éxito mundial y un símbolo de la unión entre el rock y la ópera. La canción fue creada para los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992, aunque Mercury falleció en 1991 antes de poder llevar este éxito a los escenarios.

Barcelona es famosa por su majestuosidad y poderosa interpretación vocal, combinando la voz operística de Caballé con el estilo inconfundible de Freddie Mercury. Aunque ambos provenían de mundos musicales muy diferentes, su colaboración fue un éxito rotundo y es considerada una de las más importantes en la carrera de Mercury fuera de Queen.

Concierto en Wembley

Una chaqueta amarilla y un pantalón blanco marcaron uno de los mejores conciertos de la historia por parte de la banda que hizo real los “conciertos de estadios”. Ocurrió en el famoso concierto de Queen en el estadio de Wembley, que tuvo lugar el 12 de julio de 1986, como parte de la gira “Magic Tour” que vendió 100 millones de entradas en todo el mundo. Este show fue el último tour de la banda con Freddie Mercury como vocalista principal antes de su muerte.

El concierto en Wembley es recordado por la poderosa presencia escénica de Mercury, la energía de la banda y un setlist que incluyó clásicos como Bohemian Rhapsody, We Will Rock You, We Are the Champions, entre otros. Este evento se inmortalizó en el álbum en vivo y el video Queen at Wembley, lanzado en 1992.

Live Aid

En abril de 1985 Freddie Mercury publicó su primer disco en solitario: Mr. Bad Guy y de inmediato circularon rumores de la separación del grupo. Sin embargo, Queen volvió a eclipsar al mundo con sus 17 minutos de actuación en el concierto benéfico Live Aid por la niñez y el hambre en África, celebrado en el estadio de Wembley el 13 de julio de aquel año ante 72 mil espectadores, en el que participaron las mayores estrellas musicales del momento.

Entre 1.500 y 1.900 millones de personas vieron el Live Aid por televisión en todo el mundo y aquella breve actuación de Queen es considerada una de las mejores de la historia. Lo triste de este momento fue que el dinero recaudado nunca se vio en África.

These are the days of our lives

El último video musical de Freddie Mercury y Queen termina con un nostálgico “te sigo amando” de frente a la cámara. Fue filmado el 30 de mayo de 1991. Se agregaron animaciones de Disney en la versión original, utilizando un tono sepia para mejorar el aspecto del cantante, quien ya estaba visiblemente afectado por las complicaciones del sida. Una versión posterior se lanzó en blanco y negro, a modo de memoria y homenaje resultando ser más reconocida que la anterior.

Los combates más memorables de Bruce Lee 6m5m

Wed, 17 Jul 2024 15:43:59 +0000

Los combates más memorables de Bruce Lee

Bruce Lee en la película 'Operación Dragón' (1973)

djauregui Mié, 17/07/2024 - 10:43

Pese a su muerte prematura a los 32 años de edad, Bruce Lee cambió la relación entre occidente y oriente a través del cine, la filosofía y las artes marciales. Nacido en el barrio chino de San Francisco (California), Estados Unidos, el 27 de noviembre de 1940, este artista marcial pasó su niñez y su adolescencia en China, de donde provenía su familia.

Allí, cuando era apenas un niño se inició en el camino de las artes marciales junto a su padre, y pronto tomó como mentor al reconocido maestro de Kung Fu Ip Man.

Para lograrlo, Lee tuvo que aplacarse, pues su fama como pandillero y chico problemático incluso lo había llevado a la expulsión de los colegios donde estudiaba. A su vez, mientras transcurría su vida en el colegio empezó a hacer parte del mundo del entretenimiento y consiguió sus primeros papeles en la televisión.

Sin embargo, un trágico 20 de julio de 1973 Bruce Lee perdió la vida durante una grabación en Hong Kong, presuntamente por alergia al componente de un analgésico para el dolor de cabeza. No obstante, sobre su muerte mucho se ha especulado como un misterio sin resolver, pues su deceso despertó sospechas entre los fanáticos del artista marcial.

Descubre con nosotros detalles de su biografía y el top de las mejores peleas de Bruce Lee en pantalla.

¿Qué se sabe de la infancia de Bruce Lee? El salón de las leyendas de Radiónica tiene la respuesta:

Bruce Lee en la película Juego con la muerte

Tras su regreso a Estados Unidos ingresó en la Universidad de Washington para estudiar filosofía, y durante dicho proceso empezó a enseñar y reproducir la disciplina de las artes marciales con sus compañeros universitarios. Fundó también varias prestigiosas escuelas de artes marciales en el país norteamericano, lo que también le dio reconocimiento, aunque al principio fue negativo: las diferencias culturales por aquella época eran pronunciadas y Lee tuvo problemas con la comunidad internacional china por enseñarle a estadounidenses Kung Fu.

Aunque tuvo varias apariciones en el cine aún cuando era un niño, fueron sus constantes exhibiciones de artes marciales y su interés por enseñar el Kung Fu y su estilo Jeet Kuen Do lo que le dio visibilidad, pues era constantemente retado por otros artistas marciales quienes se ofuscaban por su filosofía de combate y por enseñar artes tradicionales chinas a personas que no tenían orígenes del gigante asiático.

¿Cuáles son las características del Jeet Kuen Do? El salón de las leyendas de Radiónica tiene la respuesta:

Sin embargo, tras un par de llegadas fallidas a la fama en Hollywood, Bruce llegó al papel de Kato, en la famosa serie de televisión The Green Hornet (El avispón verde en español), que lo hizo tremendamente famoso en Hong Kong, China. Una vez regresó a la tierra de sus ancestros, se inició como protagonista de sus propias películas, esta vez en súper producciones chinas.

Bruce Lee como Kato en El Avispón verde

¿Cómo llegó Bruce Lee a la televisión norteamericana? El salón de las leyendas de Radiónica tiene la respuesta:

Fue así que se hizo protagonista de sus éxitos en el cine Karate a muerte en Bangkok (1971), Puños de furia (1972), El regreso del dragón (1972), Operación dragón (1973) y Juego de la muerte (1978).

Con ellos se popularizó el cine de artes marciales orientales más allá de cualquier frontera antes cruzada en el pasado, pues solamente sus dos primeras películas tienen el récord de mayor recaudación en la historia de Hong Kong y se mantuvo insuperable hasta la segunda película de Bruce Lee, Puños de furia.

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Por todo esto y por mucho más te traemos el top 5 de los combates más populares de esta estrella de las artes marciales, y uno de los referentes de la cultura pop más importantes del siglo XX.

Las mejores peleas de Bruce Lee

5) Juego con la muerte: Bruce Lee vs. Kareem Abdul-Jabbar como Mantis, el guardián del quinto piso

En este combate se puede ver al antiguo basquetbolista de los Lakers Kareem Abdul-Jabbar enfrentarse a Hai Tien (el personaje de Lee). Mantis pelea con un estilo de combate tan fluido como el de Hai Tien, pero además el personaje de Abdul-Jabbar es enorme que hace ver a Lee como un niño. Sin embargo es derrotado cuando Hai Tien descubre que su punto débil es la alta sensibilidad de sus ojos a la luz del sol.

4) Puños de furia: Bruce Lee vs. Robert Baker como Petrov

En una espiral de violencia que entre chinos y japoneses en la que se ve envuelto Chen Jeh, interpretado por Lee, se desata un combate brutal entre Petrov, aliado de los japoneses y el personaje interpretado por Bruce Lee. Baker, además de ser Petrov, también fue gran amigo, artista marcial y guardaespaldas de Bruce Lee.

3) Operación Dragón: Bruce Lee vs. Robert Wall como O'Hara

“O'Hara”, interpretado por el actor y productor estadounidense Robert Wall, muere en combate contra Lee (interpretado por Bruce Lee), a manera de venganza del protagonista y por tratarse del terrateniente de Han, un traficante de Heroína Se trata de una magnífica pelea en la que el protagonista termina la lucha aplastando la cabeza de su contrincante.

2) Karate a muerte en Bangkok: Bruce Lee vs. Han Ying Chieh como Hsiao Mi ("El Gran Jefe")

Hsiao Mi, interpretado por Ying Chieh, es un traficante de heroína que asesinó a la familia de Cheng Chao-an, interpretado por Lee. Después de descubrirlo, a pesar de su voto pacífico, Cheng tendrá un encuentro a muerte con el traficante, también un habilidoso artista marcial.

1) El regreso del dragón: Bruce Lee vs. Chuck Norris como Colt, el asesino de la mafia italiana

Como consecuencia de un intrincado problema de Tang (Bruce Lee) con la mafia italiana en Roa (Italia), los gángsters contratan un asesino estadounidense llamado Colt (Chuck Norris), quien reta a Tang a una lucha a muerte en el Coliseo Romano. En ese lugar se desarrolla el llamado combate del siglo, entre dos de los expertos en artes marciales con más prestigio del planeta. Al final, a pesar de vencer el combate, Tang reconoce a Colt como un dignísimo oponente.

La historia completa de Pac 5c365b Man: del laberinto al ícono cultural

Fri, 17 May 2024 23:57:57 +0000

La historia completa de Pac-Man: del laberinto al ícono cultural djauregui Vie, 17/05/2024 - 18:57

El juego Pac-Man, un hito de la industria de los videojuegos

Pac-Man es un videojuego arcade (diseñado para las “maquinitas”) creado por Toru Iwatani de la casa Namco (Nakamura Manufacturing Company) que llegó a Estados Unidos a comienzos de 1980.

Desde su lanzamiento el 22 de mayo de 1980, el juego Pac-Man rápidamente se convirtió en un fenómeno mundial en la industria de los videojuegos, a tal punto que más de 40 años después de su estreno los amantes de la cultura pop siguen celebrando su existencia cada 22 de mayo, fecha elegida por sus fanáticos como día oficial del juego Pac-Man.

Pac-Man es un icono de los videojuegos, y es conocido en todos los rincones del planeta. Por eso con el tiempo pasó a ser más que un videojuego, y se ha convertido en un personaje, un momento en la historia, un capítulo de la creatividad humana que sigue dando de qué hablar, pues también ha llegado a crear un universo a su alrededor: tiene películas, series y hasta tuvo su propio “Doodle” de Google.

Pac-Man, así como lo han logrado sagas como Star Wars, Harry Potter o el Señor de los Anillos ha logrado expandirse a niveles que tal vez sus creadores no imaginaron, pero que con la premisa de “come las galletas y no te dejes atrapar por los fantasmas” ha sobrevivido con bastante éxito al inevitable olvido que provoca el tiempo.

Por eso, hoy te contamos todo lo que debes saber sobre este videojuego.

Orígen y desarrollo del juego

El creador de este famoso videojuego, Toru Iwatani, ha declarado que la inspiración para el personaje principal llegó a él cuando se estaba comiendo un trozo de pizza y observó la forma del alimento al regresar al plato, y esa casualidad habría dado viva a la icónica boca de ángulo recto de Pac-Man.

Pac-Man fue creado por el diseñador Toru Iwatani y el programador Shigeo Funaki, y sus comienzos, según han recogido diversos medios de comunicación como la Revista Time, se debe en parte a la intención de sus creadores de hacer un videojuego menos violento a lo que estaba acostumbrada la industria en ese momento, e incluso se pensó para ser jugado también por mujeres.

Así, tratando de desmarcarse de otros icónicos títulos como Space Invaders, Namco había creado lo que sería un fenómeno mundial. Tanto así, que a tan solo un año de su estreno, en 1981 salió al mercado un videojuego para arcade llamado Ms. Pac-Man, el cual también consistía en comer puntos pequeños y grandes mientras los s evitaban a los fantasmas.

La imagen de Ms. Pac-Man es igual a la de Pac-Man: un círculo con una porción faltante, pero un moño en la cabeza, un ojo cerrado y labios rojos.

Jugabilidad y Éxito

La idea detrás de este videojuego es sencilla: tienes que comer todos los puntos del laberinto y, mientras lo haces, escapar de los fantasmas, tus enemigos.

Cada fantasma tiene un color distinto y un comportamiento diferente. El fantasma rojo se llama Shadow, también conocido como Blinky, y es quien persigue constantemente al protagonista por todo el laberinto.

El fantasma color rosa, llamado Speedy o Pinky, tiene la misión de poner trampas a los jugadores, cambiando de dirección de forma aleatoria para chocarse con el comegalletas, mientras que el fantasma azul, conocido como Bashful o Inky, persigue a Pac-Man únicamente cuando Blinky está cerca. El fantasma naranja, conocido como Pokeyo Clyde, se mueve al azar por el laberinto.

La idea es acabar con los puntos del laberinto antes de que los fantasmas lo hagan contigo y, por el camino, recoger puntos mayores, frutas y otros objetos. Una vez lo hagas pasarás al siguiente nivel.

Además, los puntos más grandes de lo normal situados cerca de las esquinas del laberinto proporcionan a Pac-Man durante un tiempo limitado la habilidad de comerse él a los fantasmas, pero esta ventana de tiempo tiende a decrecer a medida que progresa el juego, y al cabo de muchos niveles los puntos especiales prácticamente no tienen ningún efecto sobre los fantasmas.

Adicional a eso, cada tantos niveles hay unos descansos donde se ven escenas humorísticas sobre el comegalletas y los fantasmas. La puntuación del jugador o jugadora depende de cuántos puntos ha comido Pac-Man, y de cuántos adicionales como frutas o fantasmas logre atrapar un .

La puntuación perfecta en Pac-Man alcanza los 3.333.360, pero para conseguir la máxima puntuación posible en los primeros 255 niveles habría que cometer absolutamente ningún error.

Parece sencillo, pero lo cierto es que no lo es, e incluso se dice que es imbatible. Como sea, el comegalletas consiguió en aquel momento el Récord Guinness del videojuego arcade más exitoso de todos los tiempos con un total de 293.822 máquinas vendidas desde 1980 hasta 1987, ventana de tiempo en la que se instalaron casi 300 mil máquinas del juego Pac-Man en todo el mundo.

No es casualidad entonces que Pac-Man también se convirtiera en el personaje de videojuego más reconocido de todos los tiempos, según la edición de 2010 del Libro Guinness Récords.

Su impacto en la industria de los videojuegos y la cultura pop es innegable, pues en la actualidad existen varias decenas de versiones del videojuego, así como películas, series y apariciones en eventos deportivos u otras producciones de las industrias creativas.

En ellas fueron apareciendo nuevos personajes como Ms. Pac-Man, y sus hijos, Jr. Pac-Man y Baby Pac-Man, quienes viven en Pac-Land donde también se relacionan con el tío de Pac-Man, Professor Pac-Man; sus suegros, Pac-Master y Ms. Pac-Master así como su mascota, Chomp-Chomp.

La saga Pac-Man cuenta, de acuerdo con casi 50 videojuegos para consolas tan recientes como la PS5, o la Xbox Series X/S, así como la Switch de Nintendo, Xbox One, PS4, Wii U, Android, Nintendo 3DS, iPhone, PS3, Wii, Xbox 360, PSP, PC, Xbox, NDS, PS2, GameCube, Game Boy Advance y Dreamcast.

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Pacman: ícono cultural, Influencia en la cultura pop y la industria de los videojuegos

Como ya explicamos, Pac-Man es todo un fenómeno, y la cultura pop lo ha tomado como tal. Por ejemplo, ya en la película Tron de 1982 Pac-Man aparece (aunque fugazmente) en una de las pantallas de datos del antagonista, y en la película Top Secret de 1984, aparece Pac-Man en un gag (chiste) de la producción.

También hace parte de la película animada de Disney Ralph el demoledor, donde Pac-Man hace presencia en la fiesta que le hacen a Repara Félix Jr. por el aniversario del videojuego del que hace parte Ralph.

Como si fuera poco, en Pixels, protagonizada por Adam Sandler, Pac-Man tiene un papel protagónico, aunque como antagonista.

Además, el origen del nombre original de Pac-Man (Puck-Man), y su posterior adaptación para los Estados Unidos, es mencionado en la película Scott Pilgrim contra el mundo, en la escena que Scott Pilgrim y Knives Chau hablan mientras juegan en un salón Arcade.

Y así la lista avanza: estuvo el Guardianes de la Galaxia Vol. 2 de Marvel Cómics, en la saga de juegos Kolona (también popular entre las creaciones de Namco) e incluso llegó a combatir con los luchadores de Street Fighter y Tekken, marcas legendarias en el mundo de los videojuegos. Pac-Man, Ms.Pac-Man y Blinky aparecen como personajes jugables en los videojuegos Mario Kart Arcade GP y Mario Kart Arcade GP 2, así como en Super Smash Bros.

Su importancia para la cultura pop mundial y para Japón, vale la pena agregar, es tal que por su aniversario 30 Google le hizo un Doodle de homenaje que consistía en un doodle para jugar pac-man.

Por esto y por mucho más Pac-Man tiene su propio día cada 22 de mayo, fecha en la cual sus fanáticos le recuerdan al planeta porqué Pac-Man es único e irremplazable en nuestra era.